Top 10 des meilleurs réalisateurs de tous les temps

Qu’est-ce qu’un grand réalisateur ?

Un grand réalisateur est une figure emblématique de l’industrie cinématographique. Ce cinéaste est reconnu pour sa vision artistique, pour la manière dont il traite son message à l’écran, pour son talent dans la création de films et sa contribution dans le domaine du 7ème art. Ses œuvres cinématographiques se démarquent par leur qualité technique et artistique, par la puissance des dialogues et des scénario uniques et captivants. Il est aussi passé maître dans l’art de la mise en scène, du montage et de la musique. Il sait appréhender la manière dont ses acteurs doivent interpréter les personnages.

Un réalisateur de renom a la capacité de transcender les codes du cinéma, d’explorer des thèmes profonds et de créer des œuvres remarquables dont le public se souvient génération après génération. Le meilleur réalisateur aura marqué l’histoire du cinéma mais aussi inspiré de nombreuses lignées de cinéastes. Le public et la profession tout entière continueront de célébrer ces professionnels du cinéma pour leur maîtrise technique et leur talent d’innovation.

Les critères pour juger un réalisateur

Vous souhaitez devenir réalisateur ? Voici ce qu’il vous faudra démontrer pour devenir le prochain Spielberg…

Un grand réalisateur possède une vision artistique et témoigne d’un style très personnel dont ses œuvres sont empreintes. Le meilleur réalisateur marque ainsi le cinéma de son influence, de sa patte, de sa signature.

Il innove souvent en introduisant de nouveaux procédés techniques, repoussant parfois les limites du genre cinématographique. On sait par exemple que Quentin Tarantino affectionne les zooms ultra rapides ou les plans larges de mise en scène. L’usage de la musique classique est aussi « la marque de fabrique » de ce grand réalisateur. Martin Scorsese, de son côté, s’appuie plutôt sur les mouvements de la caméra qu’il utilise pour filmer dans tous les sens. Citons aussi Jean-Luc Godard qui fut l’un des premiers à se servir d’une caméra à main.

Les films des réalisateurs qui ont marqué le 7ème art ont souvent un impact durable sur le cinéma et sur la société en général. Ces œuvres influencent d’autres artistes ou suscitent des réflexions profondes sur des thèmes importants.

Un grand réalisateur possède une vraie capacité à collaborer et à communiquer de manière efficace avec ses acteurs, en leur donnant des indications précises tout en leur laissant la liberté d’apporter leur touche personnelle à leur rôle.

Influence et impact sur l’histoire du cinéma

De tous temps, les grands réalisateurs ont considérablement influé sur l’histoire du cinéma et participé activement à son évolution. Ils ont non seulement modelé la technique cinématographique mais également la manière dont les films explorent les thèmes et dont les histoires sont racontées. Diriger un film va bien au-delà que le simple fait de raconter une histoire. On mesure l’impact des réalisateurs et metteurs en scène de renom à différents niveaux :

Sur l’esthétique du cinéma

L’esthétique du cinéma se réfère à l’ensemble des choix visuels, sonores et narratifs qui contribuent à la création d’une expérience cinématographique. Des réalisateurs comme Stanley Kubrick et Akira Kurosawa ont ainsi redéfini l’esthétique du cinéma. Le premier est par exemple connu pour ses cadrages méticuleux, son usage symbolique de la couleur, et sa capacité à manipuler l’espace et le temps. Le second s’inscrit plutôt comme un pionnier dans l’utilisation du plan large et des techniques de montage.

Sur les innovations techniques

Bon nombre de réalisateurs ont révolutionné les procédés cinématographiques classiques et les matériels utilisés pour filmer. On citera notamment Georges Méliès, pionnier en matière de trucages et d’effets spéciaux ou Orson Welles qui innove avec le plan-séquence dans « Citizen Kane ».

Par leur impact profond sur la culture populaire

Certains réalisateurs ont eu un impact profond sur la culture populaire à travers des films et répliques devenus emblématiques.

Par leur influence sur des générations de cinéastes

Beaucoup de réalisateurs ont inspiré des générations de cinéastes de leur époque ou ceux de générations suivantes. Francis Ford Coppola et Martin Scorsese ont non seulement influencé d’autres metteurs en scène de la même époque, mais ont également créé, pour les jeunes cinéastes, des écoles de pensée qui les guident dans la manière de percevoir et de créer des films.

Récompenses et distinctions majeures

Un certain nombre de distinctions récompensent le talent des réalisateurs et leur influence sur le cinéma. Parmi les plus prestigieuses on citera :

• Les Oscars (Academy Awards) (meilleur réalisateur, meilleur film et Oscar d’honneur) sont les récompenses les plus prestigieuses de l’industrie cinématographique.
• La Palme d’Or (Festival de Cannes) représente la plus haute distinction, décernée au Festival de Cannes, l’un des festivals de cinéma les plus prestigieux au monde. La Palme d’Or est attribuée au meilleur film de la sélection officielle et à un réalisateur dont le film se distingue par sa qualité artistique et sa singularité.
• Le Lion d’Or (Festival de Venise), la plus haute distinction du Festival international du film de Venise, récompense le meilleur film de la compétition officielle.
• Le prix du meilleur réalisateur (Festival de Berlin) aussi dénommé « l’Ours d’Or », couronne l’excellence d’un réalisateur et des œuvres audacieuses d’un point de vue artistique.
• Le César du Meilleur réalisateur
• Le Golden Globe Awards, un prix décerné par la presse étrangère à Hollywood, pour les films les plus remarquables
• Les prix d’honneur ou décernés pour l’ensemble d’une carrière comme le « Prix Lumière »à Lyon ou le « Golden Bear for Lifetime Achievement » à Berlin.
• Les BAFTA (British Academy of Film and Television Arts) au Royaume-Uni, qui sont des prix équivalents aux Oscars pour récompenser les meilleurs réalisateurs.

Notre top 10 des meilleurs réalisateurs de l’histoire du cinéma

Steven Spielberg, réalisateur américain né en 1946

Spielberg développe une passion pour le cinéma dès son plus jeune âge à tel point qu’il réalise à 13 ans ses premières vidéos avec une caméra Super 8, dont « Firelight », un premier court-métrage de science-fiction à petit budget. Il fait une véritable percée au cinéma en 1975 avec « Les Dents de la mer » (Jaws), un succès qu’il confirme en 1977 avec « Rencontres du 3ème type » .

Ce qui distingue Spielberg c’est sa capacité à associer des récits émotionnels profonds et une approche technique remarquable. Son usage des mouvements de caméra, notamment les célèbres « travellings » qui donnent une impression de fluidité et d’immersion, est devenu un marqueur de son style. Il utilise également des éléments comme l’ombre et la lumière pour intensifier l’émotion dans une scène. Le cinéma de Spielberg est aussi apprécié par des spectateurs de tous âges tout en abordant des thèmes universels. À l’exception du western et du péplum, Spielberg a exploré tous les thèmes allant de la science-fiction au drame historique (la couleur pourpre, l’Empire du soleil), en passant par la guerre (Il faut sauver le soldat Ryan), la comédie romantique (Always), l’animation (les aventures de Tintin), l’aventure (les aventuriers de l’Arche Perdue)…

• 1983 : Golden Globe Awards pour « E.T. l’extra-terrestre »
• 1994 : Oscar du meilleur réalisateur et du meilleur film avec « La liste de Schindler »
• 1999 : Oscar du meilleur réalisateur pour « Il faut sauver le soldat Ryan »
• 2009 : Spielberg est fait Commandeur de la Légion d’Honneur par le gouvernement français en reconnaissance de ses contributions culturelles au cinéma

Frédérico Fellini, réalisateur italien (1920-1993)

Les premières réalisations de Fellini s’inscrivent dans la lignée du néoréalisme italien, qui vise à dépeindre la réalité de la vie quotidienne des classes populaires d’après-guerre avec une grande sincérité. Il débute au cinéma en tant que script et assistant-scénariste de Roberto Rossellini pour le film Rome, ville ouverte (Roma, città aperta) en 1945. Fellini commence à se faire un nom au firmament du 7ème art grâce à « La Strada » sorti en 1954, puis la « Dolce Vita » une satire sociale de l’aristocratie romaine et de l’univers du cinéma, avec Marcello Mastroïani comme acteur principal.

Frédérico Fellini s’est rendu célèbre pour sa capacité à mêler le réalisme et le surréalisme, imaginant des mondes où il devient difficile de distinguer le réel de l’imaginaire. Les films felliniens débutent souvent dans des contextes concrets, bien réels, avant que n’apparaissent des éléments irréalistes ou fantastiques.

• 1960 : Palme d’or au Festival de Cannes pour « La Dolce Vita »
• 1985 : Lion d’or à la Mostra de Venise
• 1993 : Oscar d’honneur pour l’ensemble de sa carrière

David Lynch, réalisateur américain (1946-2025)

Le parcours de David Lynch est marqué par des films et séries devenus cultes, ainsi qu’une approche très personnelle du cinéma. En 1977, il sort « Eraserhead », son premier long métrage, à l’ambiance absurde et cauchemardesque réalisé sur plusieurs années, avec peu de moyens. Le film connaît un vif succès dans des séances de minuit, où il devient culte grâce au bouche-à-oreille. En 1980, sa carrière est lancée avec « Elephant Man », un film qui retrace le destin tragique de Joseph Merrick, un jeune Anglais atteint de difformités sous l’époque victorienne. Le film lui vaut plusieurs nominations aux Oscars et une reconnaissance internationale.

En marge des canons d’Hollywood, David Lynch a su imposer son style à travers des films aux atmosphères troubles, mystérieuses, inquiétantes et aux personnages énigmatiques. Véritable Maître de l’étrange, ce réalisateur sait aussi utiliser magistralement le son et la musique.

• 1990 : Palme d’or au Festival de Cannes pour « Sailor et Lula »
• 2001 : Prix de la mise en scène au Festival de Cannes pour « Mulholland Drive »
• 2006 : Lion d’honneur à la Mostra de Venise.

Jean-Luc Godard (1930-2022)

Figure emblématique du cinéma français, Jean-Luc Godard s’inscrit comme l’un des pionniers de la Nouvelle Vague. Il découvre le cinéma dans les ciné-clubs du quartier latin. Avant de se lancer dans la réalisation, il travaille comme critique de cinéma, développant une vision unique et iconoclaste du 7ème art, en remettant en question toutes les conventions cinématographiques de l’époque. En 1960, il réalise « À bout de souffle », son premier long métrage avec Jean-Paul Belmondo et Jean Seberg. On devine déjà le style novateur de Godard qui devient une figure incontournable de la Nouvelle Vague française. Suivront ensuite des œuvres mémorables comme le « le Mépris » en 1963 puis « Pierrot le Fou » en 1965 qui renforcent sa réputation de cinéaste « révolutionnaire ».

Le style de Godard se démarque par sa volonté de rompre avec les conventions du cinéma traditionnel. Il explore des thèmes complexes tels que la politique, la condition humaine, l’existentialisme. Il raconte des histoires de façon différente, en utilisant un style novateur et des techniques inédites faites de jeux de couleurs, de dialogues décalés et de montages non linéaires dans le but de provoquer une émotion forte chez le spectateur.

• 1960 : Prix Jean Vigo pour « À bout de souffle » (meilleur film)
• 1982 : Lion d’or d’honneur pour l’ensemble de sa carrière
• 1987 : César d’honneur pour l’ensemble de son œuvre
• 1987 : Prix Louis-Delluc pour « Soigne ta droite » (meilleur film)
• 2007 : Prix européen du cinéma pour l’ensemble de sa carrière

Alfred Hitchcock, réalisateur britannico-américain (1899-1980)

Couramment surnommé « le Maître du suspense », Alfred Hitchcock rejoint l’industrie cinématographique en 1920 en tant que concepteur de titres pour des films muets. C’est à ce moment qu’il commence à développer son intérêt pour la réalisation. En 1925, il réalise « The Pleasure Garden » son premier long métrage avant de connaître le succès en 1927 avec « The Lodger », un thriller inspiré de Jack l’Éventreur.

Dès lors chacun de ses films introduit des éléments stylistiques qui deviendront la signature d’Hitchcock. Il manipule habilement les émotions du public au moyen de techniques dont il a le secret. Parmi elles le MacGuffin, un procédé scénaristique qui consiste à mettre en scène un élément de l’intrigue, en apparence sans importance, qui sert de prétexte pour démarrer ou faire avancer l’histoire.

Alfred Hitchcock n’a jamais remporté l’Oscar du meilleur realisateur mais a reçu en 1968 le Irving G. Thalberg Memorial Award pour l’ensemble de sa carrière.

William Wyler, réalisateur suisse-allemand (1902-1981)

William Wyler débute en réalisant des westerns de série B. Il se forge très vite une réputation de perfectionniste, à tel point qu’il fut surnommé « 40-take Wyler » pour les nombreuses prises qu’il exigeait pour atteindre la perfection. Sa consécration à Hollywood arrive en 1938 avec « Jezebel » dans lequel Bette Davis remporte un Oscar, puis avec «Les Hauts de Hurlevent » en 1939 qui remporte un franc succès, suivi de « Madame Miniver » en 1942 qui lui vaut l’Oscar du meilleur film et du meilleur réalisateur. La filmographie de Wyler couvre une large gamme de genres, du drame romantique avec « Les Hauts de Hurlevent » (1939) au péplum épique « Ben-Hur » (1959). Le style cinématographique de Wyler se reconnaît à l’attention prêtée aux détails et l’utilisation innovante de la profondeur de champ.

• 1943 : Oscar du meilleur réalisateur pour « Madame Miniver »
• 1947 : Oscar du meilleur réalisateur pour « Les plus belles années de notre vie »
• 1957 : Palme d’or Festival de Cannes pour « La loi du seigneur »
• 1960 : Oscar du meilleur réalisateur pour Ben-Hur

Woody Allen, réalisateur américain né en 1935

Dans les années 1960, avant de débuter dans le cinéma, Woody Allen se produit dans les clubs new-yorkais comme humoriste de stand-up. En 1969, il réalise son premier film « Annie Hall ». Il diversifie ensuite les thématiques de ses œuvres à partir des années 1980, à travers des films très différentes comme « La rose pourpre du Caire » ou « Hannah et ses sœurs ». Il aborde ainsi des thèmes aussi variés que l’amour, les relations de couple, l’infidélité, la religion, le doute, la peur de la mort, le sens de la vie et la place de l’individu dans l’univers, pour n’en citer que quelques-uns.

Le style de Woody Allen se distingue par son mélange unique d’humour, de philosophie, de psychologie, de névroses et par ses dialogues rapides. Woody Allen aime jouer avec les mots et les situations comiques tout en explorant des sujets profonds avec une pointe de cynisme. Beaucoup de ses personnages sont des êtres intellectuels, souvent névrosés ou insatisfaits, qui naviguent dans des relations compliquées et des crises existentielles.

• 1978 : Oscar du meilleur réalisateur avec « Annie Hall »
• 1987 : Oscar du meilleur réalisateur pour « Hannah et ses sœurs »

Martin Scorsese, réalisateur américain né en 1942

Martin Scorsese débute sa carrière cinématographique dans les années 1960 en réalisant des courts-métrages après avoir étudié à l’école de cinéma de l’Université de New York. Ses premières œuvres sont marquées par une exploration de la culture italo-américaine et des aspects violents et conflictuels de la société. Son premier long-métrage notable est « Who’s That Knocking at My Door » (1967), un film indépendant qui attire l’attention. Les années 1970/1980 sont jalonnées de grands succès cinématographiques comme « Taxi Driver » (1970) ou « Raging Bull » (1980), une biographie du boxeur Jake LaMotta, considéré comme l’un des meilleurs films de tous les temps.

Les films de Scorsese apportent une attention particulière aux personnages marginaux, complexes, profondément marqués par des conflits intérieurs. Par ailleurs, il utilise fréquemment des flashbacks ou des voix off pour raconter l’histoire, ce qui permet au spectateur d’entrer dans la tête de ses personnages. La musique joue aussi un rôle essentiel dans la filmographie de Scorsese, à travers l’usage de chansons populaires de différentes époques afin de renforcer l’émotion de certaines scènes.

• 1976 : Palme d’or à Cannes avec « Taxi Driver »
• 2007 : Golden Globe du meilleur réalisateur avec « les infiltrés »
• 2011 : Golden Globe du meilleur réalisateur avec « Hugo Cabret3

Orson Welles, réalisateur américain (1915-1985)

Orson Welles commence sa carrière à la radio, où il se produit en 1938 grâce à sa radiodiffusion de « La Guerre des mondes« . Sa nouvelle célébrité lui ouvre la porte à d’autres projets, comme le cinéma qui le fera véritablement connaitre dans le monde entier. En effet, en 1941, il signe son premier chef-d’œuvre, « Citizen Kane ». Aujourd’hui, « Citizen Kane« ,souvent cité comme le meilleur film de tous les temps, reste un modèle d’étude dans les écoles de cinéma du monde entier. Après ce succès, Orson Welles continue de réaliser des films marquants, bien que sa carrière cinématographique connaisse des hauts et des bas. À partir des années 1940, le réalisateur rencontre en effet des difficultés avec les studios hollywoodiens, en raison de son indépendance artistique et de ses conflits avec les producteurs. Il s’exile alors en Europe au début des années 1950.

Welles mêle souvent réalisme et éléments fantastiques. Son style est marqué par l’utilisation de la profondeur de champ, où il garde à la fois l’arrière-plan et le premier plan net et parfaitement visible. Cela contribue à créer un effet visuel où tout dans le cadre est mis en valeur et permet d’avoir plusieurs éléments importants à différents niveaux de la scène. Il maîtrise aussi parfaitement l’ombre et la lumière, les flashbacks et les ellipses temporelles.

Welles a reçu un Oscar et trois Grammy Awards parmi de nombreuses autres distinctions telles que le Lion d’or en 1947, la Palme d’or en 1952, l’Academy Honorary Award en 1970, l’AFI Life Achievement Award en 1975 et la British Film Institute Fellowship en 1983.

• 1942 : Oscar du meilleur réalisateur avec « Citizen Kane »
• 1952 : Palme d’or du festival de Cannes avec « Othello »
• 1970 : Lion d’or pour l’ensemble de sa carrière

Akira Kurosawa, réalisateur japonais (1910-1998)

Les premiers films d’Akira Kurosawa sont influencés par des productions occidentales et des genres variés, comme le cinéma d’Hollywood, notamment les films de John Ford, ainsi que les œuvres de réalisateurs européens comme Jean Renoir. Son cinéma sera toujours marqué par une volonté de croiser les influences de l’Orient et de l’Occident. En 1944, il commence à se faire un nom dans le cinéma avec « The Most Beautiful ». Sa carrière connaît un succès fulgurant à partir des années 1950/1960, notamment avec « les 7 Samouraïs » en 1954. L’œuvre de Kurosawa a inspiré des cinéastes Steven Spielberg, Martin Scorsese ou George Lucas pour la création de « Star Wars ».En 57 ans carrière cinématographique, il a réalisé plus de 30 films.

Kurosawa est passé maître dans l’art de composer l’image. Il utilise l’espace, la lumière et les éléments du cadre pour accentuer l’émotion, l’atmosphère, et la psychologie des personnages.

• 1980 : Palme d’or au Festival de Cannes pour  » Kagemusha, l’ombre du guerrier « 
• 1990 : Un Oscar d’honneur comme récompense de l’ensemble de son œuvre.